Programmazione Accademica
Laboratorio di Scultura per la Didattica
Laboratorio di Scultura in materiali cartacei
Il termine "monumento" spesso viene considerato sinonimo di "scultura", così come l'associazione più comune con la parola "carta" è con il termine “fragilità”. Parlare di sculture in carta potrebbe sembrare quasi un ossimoro. Tuttavia, la carta e il cartone hanno sempre occupato un ruolo di rilievo nel contesto scultoreo, rappresentando materiali tradizionali che hanno affascinato numerosi artisti coinvolti nella rivoluzione del linguaggio plastico nell'arte contemporanea.
Questi artisti non solo utilizzano i materiali cartacei come strumenti di studio, ma li considerano autentici orizzonti esplorativi nel processo di ricerca e sviluppo progettuale, sia nella loro dimensione bidimensionale che tridimensionale.
Presso l'Accademia di Belle Arti di Napoli, da alcuni anni una delle cattedre di Scultura presso la Scuola di Didattica ha dedicato la propria attenzione alla Scultura in Carta, sulla scia di esplorazioni artistiche e metodologiche di figure eminenti come Josep Albers e Bruno Munari che nel secolo scorso hanno svolto un ruolo cruciale in questo campo creativo.
Attraverso la carta e il cartone sono stati introdotti processi innovativi, facendo nascere opere originali e conducendo ricerche che hanno apportato contributi significativi all'evoluzione dell'arte.
La versatilità di questi materiali ha consentito agli artisti di esprimere la propria visione in modi sempre nuovi, trasformando la carta e il cartone da semplici strumenti a fondamentali supporti per la creazione artistica. In tal modo, il legame tra tradizione scultorea ed arte contemporanea si rafforza, sottolineando il potenziale illimitato di espressione offerto da questi materiali.
Le sculture e le installazioni realizzate in carta e cartone pongono al centro della loro ricerca la materia e il processo di manipolazione, quali elementi essenziali di una riflessione formale. In questo contesto, si aprono nuove strade nel linguaggio scultoreo, rompendo con la consolidata solidità dei materiali tradizionali.
Questo approccio si distingue, per un versante, per la sua dimensione anti-monumentale, abbracciando il fluire inesorabile del tempo e accogliendo il destino inevitabile della transitorietà delle cose. Tale approccio implica la rinuncia alle aspettative di "lunga durata", abbracciando invece l'effimero come parte intrinseca dell'opera d'arte. Questa consapevolezza contribuisce a ridefinire il concetto stesso di permanenza nell'arte contemporanea, rivelando una bellezza che si esprime attraverso la transitorietà e la fugacità, sfidando le convenzioni della durata e sottolineando la mutevole natura dell'esistenza.
Tuttavia, dall'altra parte, evidenzia come particolari lavorazioni possano conferire durabilità alle sculture in carta, paragonabile ad altri materiali, come è stato in periodi precedenti della Storia dell'Arte.
Il fondamento che orienta la ricerca della forma nello spazio nell'ambito didattico si fonda sulla necessità di sviluppare la creatività degli studenti all'interno di una disciplina che implica ricerca, attività pratica costante e rispetto delle regole consolidate in un contesto specifico, oltre a una conoscenza approfondita di metodi, codici e tecniche. Tale approccio mira a creare un equilibrio delicato tra tradizione e innovazione, permettendo agli studenti di accogliere idee e nuove possibilità che emergono nel corso del processo progettuale.
Nel contesto educativo, l'obiettivo è coltivare una mentalità aperta e flessibile, consentendo agli studenti di esplorare creativamente la relazione tra forma e spazio. Ciò comporta l'integrazione di approcci consolidati e regole, fornendo una solida base concettuale, ma contemporaneamente accogliendo e integrando continuamente nuove idee e opportunità che si presentano durante il processo creativo. Questo equilibrio tra tradizione e innovazione contribuisce a formare individui capaci di affrontare le sfide progettuali in modo dinamico e consapevole, preparandoli per un futuro in cui la creatività e la flessibilità sono elementi fondamentali.
Il termine "metodologie di trasformazione", riferito alla carta, indica un insieme articolato e coerente di procedimenti progettuali attraverso cui realizzare una modifica intenzionale e consapevole del materiale cartaceo.
Si tratta di un approccio che va ben oltre la semplice applicazione di singole tecniche, coinvolgendo una serie di passaggi pensati, pianificati e organizzati secondo criteri definiti, con l’obiettivo di conferire alla carta nuove qualità espressive, estetiche o funzionali.
A differenza di termini come "tecniche" o "strategie", che possono indicare azioni isolate o intuitive, il concetto di metodologia sottolinea la presenza di una struttura precisa e documentata. La trasformazione della carta, in questo senso, non nasce mai da un gesto casuale o improvvisato, bensì da un processo sistematico e pianificato, basato su una precisa sequenza di fasi operative che permettono di raggiungere in modo coerente il risultato desiderato.
Proprio questa rigorosa sequenzialità, che definisce chiaramente ogni fase del percorso, rende le metodologie di trasformazione replicabili e trasmissibili, consentendo la condivisione del sapere tecnico e progettuale e favorendo così una più ampia diffusione delle competenze specifiche legate alla manipolazione della carta.
Ogni passaggio della metodologia è inoltre accompagnato da una riflessione critica: ciascuna scelta tecnica e progettuale viene accuratamente ponderata e valutata in base alle proprietà del materiale, alle caratteristiche delle tecniche adottate e al contesto espressivo e funzionale del progetto. Questa continua analisi permette non solo di prevedere gli effetti finali, ma anche di acquisire una consapevolezza sempre più profonda e articolata del materiale stesso e delle sue potenzialità.
Le metodologie di trasformazione della carta si distinguono per la loro capacità di favorire un approccio interdisciplinare e aperto alla ricerca. Non si limitano a mettere in atto pratiche consolidate, ma stimolano la contaminazione fra tecniche e discipline diverse, incoraggiando la sperimentazione e l’innovazione creativa.
In definitiva, adottare una metodologia nella trasformazione della carta significa dunque guidare in maniera consapevole e progettuale ogni intervento sulla materia cartacea, valorizzando al massimo la capacità di immaginare, pianificare e realizzare trasformazioni innovative, ricche di significato e profondamente rispettose delle caratteristiche intrinseche del materiale.
0. Dati dell’insegnamento
Titolo: Laboratorio di Scultura per la Didattica (focus su scultura in carta e cartone)
Struttura didattica di riferimento: Scuola/Dipartimento di Didattica
Anno accademico: 2026/2027
Tipologia insegnamento: Laboratorio (didattica mista: teorico–pratica)
Ore complessive: 150 (25 incontri × 6h) – rimodulabili
CFU: 12
Lingua di erogazione: Italiano
Propedeuticità: Nessuna.
Sede e dotazioni: Aula/laboratorio con tavoli di lavoro, spazio per allestimenti, videoproiezione, deposito materiali.
Sicurezza: Briefing iniziale su uso in sicurezza di cutter, colle, strumenti; DPI consigliati (guanti, occhiali, mascherine per carteggiature).
1. Premessa didattica e cornice epistemologica
Il corso nasce da tre domande generative:
(1) esiste una prassi consolidata per l’insegnamento dell’arte nei contesti scolastici e museali?
(2) cosa intendiamo per scultura per la didattica?
(3) a cosa serve educare alla conoscenza dell’arte?
La relazione tra pedagogia e linguaggi artistici si compie nell’esperienza concreta: progettare e agire in situazione. La scultura in materiali cartacei offre un terreno privilegiato per integrare creatività, ricerca formale, sostenibilità e learning by doing. Carta e cartone consentono di esplorare in modo accessibile forma, spazio, modulo e struttura, generando processi di apprendimento attivi, riflessivi e inclusivi. Riferimenti metodologici e storico–critici: esperienze propedeutiche di Josef Albers (Bauhaus; Black Mountain College; Yale), didattica laboratoriale di Bruno Munari, trasformazioni del concetto di scultura nel Novecento e contemporaneo (campo allargato dei materiali).
2. Obiettivi formativi
2.1 Obiettivi generali
- Sviluppare autonomia progettuale e capacità di "pensare in situazione" attraverso la pratica artistica.
- Integrare competenze tecniche e riflessione pedagogica per la progettazione di percorsi educativo–artistici.
- Favorire la padronanza dei linguaggi plastici contemporanei con focus su carta/cartone.
2.2 Risultati di apprendimento attesi (Dublin Descriptors)
D1 – Conoscenza e comprensione:
- Storia e teoria della scultura contemporanea; principi di didattica dell’arte.
- Proprietà e potenzialità dei materiali cellulosici in ambito plastico.
D2 – Conoscenza e comprensione applicate:
- Applicare tecniche di trasformazione della carta (piegare, tagliare, intrecciare, cartapesta, assemblaggio).
- Tradurre cornici teoriche in format laboratoriali per contesti scolastici/museali.
D3 – Autonomia di giudizio:
- Valutare contesti, destinatari, risorse e vincoli; selezionare metodologie adeguate; documentare e valutare esiti (ricerca–azione).
D4 – Abilità comunicative:
- Presentare processi e prodotti; curatela di micro–exhibit e materiali di accompagnamento.
D5 – Capacità di apprendimento:
- Auto–valutazione riflessiva; trasferibilità a nuovi contesti; aggiornamento continuo.
3. Contenuti e articolazione
3.1 Moduli tematici
M1 – Cornici teoriche e storico–critiche
- Pedagogia dell’arte, creatività/innovazione, learning by doing.
- Scultura contemporanea come "campo allargato".
M2 – Tecniche e processi (paper–based)
- Piegatura e folding strutturale; pop-up; transizione 2D→3D.
- Taglio e kirigami; pattern e membrane portanti.
- Stropicciamento e pizzicatura; texture e rilievo.
- Arrotolamento e moduli cilindrici; telai e travi.
- Intreccio 2D/3D; rilievo modulare e serialità.
- Cartapesta/pasta di carta; consolidamenti e finiture.
- Assemblaggio e incastri a secco; cuciture/no-glue; tecniche combinate.
M3 – Progettazione didattica
- Analisi dei destinatari e dei contesti; definizione obiettivi.
- Pianificazione attività, tempi, materiali; accessibilità e UDL.
- Valutazione, documentazione, riflessione (ricerca–azione).
M4 – Exhibit design e restituzione pubblica
- Identità visiva, testi di sala e didascalie.
- Layout, luci, percorsi, accessibilità; mostra finale e portfolio.
3.2 Calendario indicativo (25 incontri × 6h)
Incontro strutturato:
- Introduzione alla lezione
- Analisi artisti di riferimento
- Analisi della tecnica
- Attività di laboratorio
4. Metodologie didattiche
- Lezione interattiva e discussione guidata (cornici teoriche; letture).
- Laboratorio pratico a complessità crescente (esercizi, prototipi, micro–progetti).
- Simulazioni/role–play (condurre un laboratorio; gestione del gruppo; goal–based scenarios).
- Ricerca–azione (progettazione → azione → osservazione → riflessione → riprogettazione).
- Apprendimento collaborativo (team design; peer review; debriefing strutturati).
- Documentazione (foto/video, schede tecniche, diari di bordo; portfolio).
- Inclusione e UDL: rappresentazione/azione/espressione/ingaggio multimodali; attività scalabili; rubriche trasparenti; attenzioni per BES/DSA.
5. Attività integrative e terza missione
Seminari e testimonianze di artisti/curatori che utilizzano carta/cartone.
Visite didattiche a mostre/collezioni pertinenti (in presenza o virtuali).
Paper Week (Comieco): iniziative sul riciclo carta/cartone; educazione ambientale (senza oneri per l’Accademia).
Mostra finale in sede Accademica con catalogo/dispense a cura della classe.
6. Verifica e valutazione
6.1 Componenti e pesi
- Progetto didattico di gruppo (concept, format, materiali, accessibilità, fattibilità, evidenze): 50%
- Portfolio individuale (esercizi tecnici, riflessioni critiche, documentazione): 30%
- Colloquio orale (cornici teoriche, collegamenti storico–critici, metodologie): 20%
- Requisiti di ammissione all’esame: frequenza ≥ 70%; consegna portfolio; partecipazione attiva.
6.2 Rubrica sintetica
- Rigore metodologico (obiettivi, coerenza, valutabilità): insuff. / suff. / buono / ottimo
- Qualità tecnico–formale (soluzioni strutturali, pulizia esecutiva, controllo del medium): insuff. / suff. / buono / ottimo
- Innovazione e pertinenza (originalità, adeguatezza al contesto/destinatari): insuff. / suff. / buono / ottimo
- Documentazione e riflessività (chiarezza, completezza, auto–valutazione): insuff. / suff. / buono / ottimo
- Comunicazione (presentazione orale/visiva; materiali di exhibit): insuff. / suff. / buono / ottimo
7. Bibliografia essenziale
Pedagogia e didattica dell’arte
M. Dallari, C. Francucci, L’esperienza pedagogica dell’arte, La Nuova Italia, 1998.
AA.VV., a cura di C. Francucci e L. Vassalli, Educare all’arte, vol. I, Electa, 2005.
Creatività e laboratori
B. Munari, Fantasia, Laterza, 1977.
G. Rodari, Esercizi di fantasia, Einaudi (Ed. Riuniti), 1981.
Materiali e teoria della carta
I. Sansom, L’odore della carta, TEA, 2013.
M. Donà, Filosofia della carta, Baldini+Castoldi, 2022.
Approfondimenti storico–critici
AA.VV., Perché continuiamo a fare e a insegnare arte?, Cappelli, 1979.
Dispense su Albers (Bauhaus) e casi studio contemporanei (fornite a lezione).
8. Risorse, materiali e logistica
- Materiali base: carta di varie grammature e formati, cartoncino, cartone ondulato, colle, nastri, fili, clips, aghi e filo, spray fissativi, vernici protettive a base acquosa.
- Strumenti: cutter e tappetini da taglio, forbici, righelli, pieghetta/ossibullo, pinze, punteruoli; attrezzatura per proiezione; deposito prototipi.
- Sicurezza: procedure per taglio/incollaggio; smaltimento materiali; ventilazione; DPI; briefing iniziale obbligatorio e cartellonistica.
- Sostenibilità: preferenza per materiale riciclato/riciclabile; riuso scarti; progettazione low–cost; collegamento a Paper Week.
9. Accessibilità e inclusione
- Adattamento dei compiti (tempi, strumenti, modalità espressive) per studenti con BES/DSA.
- Istruzioni multimodali (verbali, visive, dimostrazioni pratiche); valutazione orientata al processo.
- Postazioni ergonomiche; suddivisione dei compiti di gruppo per valorizzare diverse abilità.
10. Qualità didattica e monitoraggio
- Rilevazione intermedia e finale della soddisfazione studenti (questionari brevi).
- Revisione collegiale dei progetti con commissione interna/invitati.
- Report finale del corso con indicatori (frequenza, esiti, qualità exhibit, impatto pubblico) e proposte di miglioramento.
11. Output finale e disseminazione
- Mostra/Exhibit di corso con selezione di opere/prototipi e pannelli didattici.
- Volume/dispensa collettiva dei percorsi (PDF con ISBN interno di Ateneo, se previsto).
- Repository digitale con portfolio, rubriche e documentazione (accesso studenti/commissione).
Nota:
Verranno predisposte sulla piattaforma Teams dell’Accademia:
- cartelle con le dispense delle lezioni effettuate,
- cartelle per ciascun studente dove verranno riportate le foto delle attività svolte, lezione per lezione,
- cartelle con dispense per ulteriori approfondimenti.
CURRICULUM PERSONALE
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